La semana pasada tuvimos el gusto de hacer un recorrido por uno de los cuatro espacios del concepto Art Explosion en San Francisco California, la escultora Wendi Spiers nos invitó a conocer su estudio que está instalado en este interesante concepto. Dentro de una gran bodega del 2425 de la Calle 17 hay cubículos cerrados y crucetas en las que cada uno de los inquilinos desarrolla su vena creativa.

Lo más interesante de este concepto, no es el hecho de todo el talento que se ubica bajo un mismo techo, sino el respeto por el espacio y las ganas de hacer algo juntos. La renta es razonable y el que no tenga para pagarla, pero tenga muchas ganas de participar en el concepto, se puede convertir en el administrador del inmueble y recibir como pago su espacio.

Además de los diferentes estilos y personas que trabajan en este lugar, se organizan para llevar a cabo eventos cuyo efecto multiplicador beneficia a todos. Wendi nos platicó que no tienes horario, puedes estar ahí todo el tiempo que necesites, siempre y cuando respetes las normas que tiene establecido el lugar. Desafortunadamente para Lorenzo y yo, el día en San Francisco estuvo precioso, por lo que vimos a pocos artistas trabajando, pero el formato de las crucetas nos permitió dar un vistazo a este interesante mundo y por supuesto al trabajo de nuestros amigos Wendi Spiers y Carlos Oropeza.

Algunas de las piezas de Carlos Oropeza

Wendi alimentando a sus ardillas

Art Explosion Studios un lugar con muchas personalidades

Un vistazo a la escena del arte en San Francisco

En cualquier momento todo se transformará en arte

La diversidad de materiales es fantástica

Una nueva forma de ver a la naturaleza es la propuesta de Wendi Spiers

Fotografías: Lorenzo Díaz

Texto:  Kelly Velásquez

La arquitectura del posterremoto, de la emergencia y la reconstrucción en Chile irrumpieron este jueves en la Bienal de Arquitectura de Venecia durante la apertura a la prensa del certamen internacional, que abre sus puertas al público el próximo sábado.

Con un pabellón en los amplios espacios del Arsenale, “Chile 8.8“, que alude a la intensidad del terremoto que devastó el pasado 27 de febrero el centro y sur del país sudamericano, Chile sacude a la flor y nata de la arquitectura al obligarla a pensar en las necesidades básicas de poblaciones remotas azotadas por catástrofes naturales.

“Esta exposición da respuesta a un fenómeno que este año nos toca con fuerza inusitada, terremotos, maremotos, derrumbes. Impensable que Chile pasara por alto un terremoto de 8,8 grados de magnitud”, comentó el ministro de Cultura, Luciano Cruz-Coke, al inaugurar el pabellón.

A través de paneles ilustrativos, videos y fotografías, entre ellas de la zona costera del célebre arquitecto chileno Mathias Klotz, Chile presenta en forma fría y racional, sin imágenes trágicas ni dolorosas, la estela de estragos causados por la tragedia, así como los proyectos concretos y reales de reconstrucción, que ya cuentan con fondos públicos o privados para su realización.

Los 17 proyectos, seleccionados a través de una convocatoria, están divididos en tres categorías: patrimonio, prefabricados y organizaciones sociales, e ilustran varias soluciones, algunas bastantes innovadoras.
Creativa y accesible resulta la propuesta presentada para el campo de los prefabricados de emergencia por los jóvenes arquitectos Rodrigo Aguilar, Ignacio Ruz, Rodrigo Valenzuela y René Velásquez de la Universidad de Santiago, quienes utilizan contenedores marítimos.

La vivienda flexible, con paneles de madera, que se adapta a las necesidades y puede crecer, al igual que las soluciones modulares de Klotz para Talca, Cauquenes y la isla Robinson Crusoe, que combinan vivienda con lugar de trabajo para reactivar el comercio, son claves para la reconstrucción.

“No fue fácil organizar la exposición a solo seis meses de ocurrido el terremoto. Estábamos aún bajo choque. Se había decidido otra línea, pero una vez que ocurre el terremoto en Chile no se podía hablar de otra cosa”, reconoce el curador del pabellón chileno, el arquitecto Sebastián Gray, quien niega que la muestra haya llegado precedida de polémicas.

El  arquitecto chileno Sebastián Gray, muestra su proyecto para la reconstrucción de casas dañadas en el terremoto reciente en Chile, durante la inauguración de la 12 ª exposición de la Bienal de Arquitectura titulado “People Meet in Architecture”.

“El impacto de la arquitectura en la sociedad es el tema de esta Bienal. Inevitablemente había que hablar del terremoto”, añade Gray, quien pone en cambio en tela de juicio el frenético desarrollo de las últimas décadas, el “neoliberalismo de los últimos 35 años” y el relajamiento de las normas constructivas entre las razones de la devastación.

“Medio país se vino abajo”, reconoció por su parte el ministro, quien considera que una cifra tan baja de muertos con respecto a la intensidad, denota también que existe “un sistema de reconstrucción bueno, un bien exportable”, al recordar que Chile es uno de los países del mundo que más sismos ha registrado.

Un niño mira a un proyecto llamado “El niño escondido en un pez” realizado por los arquitectos chilenos Smiljan Radic y Correa Marcela.

El arquitecto japonés Kazuyo Sejima, director de la 12 ª exposición de la Bienal de Arquitectura, posa delante de un proyecto llamado “El niño escondido en un pez”de los arquitectos chilenos Smiljan Radic y Correa Marcela.

El quinto sismo más intenso de la historia, que dejó un saldo de 500 muertos y unos 200.000 damnificados, sin hablar de aquel que golpeó a Haití o de las inundaciones en Pakistán, inspiraron a los organizadores de la Bienal, que abre sus espacios de exposición con la enorme escultura “El niño escondido en el pez” de los chilenos Smiljan Radic y Marcela Correa.

Un pedido a “favor de un futuro perfecto, protegido y perfumado”, claman los artistas.

Kazuyo Sejima, es la primera mujer que dirige la sección de arquitectura.

Un proyecto denominado “Your split second house”  diseñado por Olafur Elliasson de Dinamarca, durante la inauguración de la 12 ª Exposición Bienal de Arquitectura titulada “”People meet in architecture”.

“Taichung Metropolitan Opera House de 2005″ (en construcción) realizado por Toyo Ito y Arquitectos Asociados de Japón se exhibe en Corderie el Arsenale en Venecia.

Los visitantes admiran “Tokyo Metabolizing”, una exposición creada por los arq. japoneses  Yoshiharu Tsukamoto y Ryue Nishizawa en el pabellón japonés en la Bienal Giardini en Venecia.

El arq. malasio Nazlan Baharudin con su  proyecto  ”The Flecta Tower ” en la inauguración de la Exposición Internacional de Arquitectura.

“Work place” realizado por Studio Mumbai Architects de la India.

Los visitantes admiran el proyecto de la arquitecto canadiense Philip Beesley “Hylozoic Ground” en el pabellón de Canadá.

“Cloudscapes/ 2010″ realizado por Transsolar y Tetsuo Kondo.

Tetsuo Kondo.

Fotografías: Vincenzo Pinto

]]> http://espacio-blanco.com/2010/08/inauguran-la-12-%c2%aa-exposicion-bienal-de-arquitectura/feed/ 0 http://espacio-blanco.com/2010/08/pqmx-2011/ http://espacio-blanco.com/2010/08/pqmx-2011/#comments Fri, 27 Aug 2010 00:16:29 +0000 Alejandro Cabrera http://espacio-blanco.com/?p=8771

El pasado 24 de agosto en punto de las 20:00 horas en la Galería Luis Adelantado abrió sus puertas en la Col. Anáhuac para albergar la presentación del proyecto PQMX2011. Como anfitrión estuvo Sergio Villegas, reconocido escenógrafo, así como muchos invitados de las artes escénicas.  Entre ellos cabe destacar la presencia de Alejandro Luna, Jorge Ballina y  Jeriloy Bosch, representantes y ganadores mexicanos en ediciones anteriores.

Para la próxima edición de la PQ2011, la participación de México está siendo organizada por un grupo de artistas escénicos (denominados Amigos de Praga) que se han dado a la tarea de llevar a cabo la selección de proyectos y fondeo  del mismo.

La representación de México en PQ2011 no está contemplada en ningún presupuesto de instituciones culturales del país y es por ello que se recurre a la búsqueda de apoyos que garanticen ocupar el pabellón.

Es importante difundir éste esfuerzo para darle continuidad y difusión al trabajo mexicano, así como a la Cuadrienal de Praga, ya que es el evento más importante a nivel mundial en relación a las artes escénicas.

PQMX 2011 from Espacio Blanco on Vimeo.

Factor Clave es un proyecto que los alumnos del ITESM Campus Querétaro que han emprendiendo desde hace más de cuatro años, durante los cuales se ha posicionado como uno de los mejores congresos de diseño en el país.

El proyecto está  centrado en los participantes, principalmente estudiantes de diseño y recién egresados. El evento tiene como meta brindar herramientas útiles y trasmitir experiencias significativas que enriquezcan al joven diseñador, para que sea capaz de desempeñarse exitosamente en el campo laboral.

En esta edición deciden darle un giro conmemorativo al congreso, en honor a los movimientos latinoamericanos que este año se celebran, titulando así “Factor Clave: Revolución Diseño 2010”.  En el que se mostrara  al diseño como detonador del desarrollo para los países en vías de crecimiento y como este interactúa con la cultura y la identidad local de cada región.

Conspiración, Independencia y Rebelión son los temas que inspirados y que  forman nuestro programa.

El jueves, se abrirá con el tema “Conspiración”, con Fernando del Vecchio de Argentina, Alejandro Rodríguez Musso de Chile, Eduardo Terrazas de México y Paolo Bergomi de Argentina.

El viernes se mostrara al diseño como “Independiente” e interdependiente con otras disciplinas, contando con la presencia de  Ela Maldonado de Venezuela, Luis Angarita de Colombia y Ariel Rojo de México.

El último día cerraremos con la “Rebelión”, el diseño romperá fronteras y se convertirá en un factor de revolución; que logrará un cambio en los aspectos sociales y económicos de las naciones. A cargo de Jorge Furuya por México y USA, Héctor Esrawe de México, Luis Fitch de México y USA y Avril Acolla de Italia.

También contaran con 4 worksops:

Mirar-Mirando La observación de lo cotidiano se vuelve la clave del diseño. Paolo I.G. Bergomi

Diseño con redes sociales Twitter, facebook e internet se vuelven los protagonistas. Romeo Márquez.

Mira mi objeto, es reusado y habla mexicano Diseño de accesorios con materiales reciclados. Ela Maldonado.

Designing Simple Things Lo simple es más complicado de lo que parece. Luis Angarita.

El costo del congreso es de $880 pesos en preventa, el boleto incluye once conferencias nacionales e internacionales, bocadillos en los recesos, acceso a las tres fiestas del congreso y a la pasarela de modas. Los workshops tienen un costo adicional de $250 pesos.

Más información: Factor Clave

El arquitecto australiano Chris Bosse ha construido un homenaje de Panton Chair como parte de Sydney Festival de Diseño. El diseñador “…chosen to represent this shape as slices, similar to an MRI scan in order to make visible its complex three-dimensional geometry. The chair is metaphorically and physically carved out of a sliced box…” dice Bosse.

La silla Panton que desafía la gravedad 1967 por el diseñador danés Verner Panton, fue un cambio radical en el diseño tradicional y técnicas de fabricación.

Re-loved, Panton Chair, de Chris Bosse, LAVA, 31 Julio – 30 Septiembre 2010,
Powerhouse Museum, Sydney, Australia, durante  Sydney Design Festival

Del jueves 30 de Septiembre al sábado 2 de Octubre, la ciudad de Guadalajara, México, será sede por cuarto año consecutivo del Festival Internacional de Diseño, DesignFest 2010, considerado el Evento de Diseño más Grande de México.

Destacando la participación del diseñador argentino, Adrián Pierini (Diseño Estratégico), allí, Adrián dará una charla sobre Diseño Estratégico y luego un workshop sobre Branding, junto a Jessica Hische.

Más información: DesignFest 2010

Gjon Mili fotógrafo de LIFE visitó a Picasso en 1949. Mili mostró al artista  algunas de sus fotografías de patinadores sobre hielo, con luces diminutas colocadas en sus patines saltando en la oscuridad, y la mente de Picasso comenzó a acelerarse. La serie de dibujos de la luz se hicieron con una pequeña linterna en una habitación oscura; las fotografías de Picasso se desvanecieron casi tan pronto como fueron creadas.

“Picasso  Light Drawings”, fotografías de Gjon Mili, para LIFE

El pasado 12 de Agosto en la Facultad de Arquitectura de la UNAM se inauguró una extraordinaria exposición sobre los dibujos del taller del Arq. Augusto H. Álvarez.

Para los que conocimos a Augusto y entendimos su rigor al proyectar ver sus dibujos, y los que de su taller y colaboradores emanaron, es una delicia. El Arq. Álvarez es sin lugar a dudas uno de los grandes talentos que en nuestro campo ha dado el país. Las obras que proyectó y construyó son testimonio de una capacidad sin igual. El módulo, fundamento proyectual del maestro, es sin lugar a dudas el gran protagonista de esta maravillosa recolección de ideas, imágenes y sobre todo extraordinaria competencia.

Hay en la muestra, además de dibujos firmados por Augusto, piezas de su equipo a lo largo de los años. Ricardo Flores, Joaquín Palacios, Hector Meza, Carlos Alvarado, Jorge Flores, Augusto F. Álvarez, Luis Guerrero, Octavio Sánchez, Vito Ascencio y Francisco Javier Marván. La muestra, que es imperdible, fue curada por Lourdes Cruz González Franco y Alejandro Aguilera González dos grandes conocedores de la carrera profesional de Augusto y personas muy cercanas a él y su familia.

El infaltable listón de inauguración

Augusto F. Álvarez hijo y socio del Arq. Álvarez ofreció un emotivo discurso de inaguración

Manuel, Lourdes y Augusto

Lourdes Cruz González Franco, curadora de la exposición

Con un orden meticuloso los dibujos, en su mayoría reproducciones fotomecánicas y tristemente no los originales, se presentan bajo siete temas: El ser humano, El contexto y la vegetación, La fluidez del espacio, El orden y la modulación, Los detalles constructivos, Las técnicas de dibujo y El dibujo de presentación. Breves textos acompañan a las ilustraciones, pero es evidente que una imagen dice más que mil palabras.

El encuentro con un momento histórico hace revalorar el dibujo a mano y/o con técnicas “tradicionales” y nos muestra como ese sofisticado nivel proyectual se plasma de manera clarividente en un simple papel calca. Es un placer ver los trazos del lápiz, el rapidografo, los plumones de alcohol y el uso del Leroy y el Mecanorma (todos términos posiblemente arcaicos para los lectores de este blog).

Leer (en textos y dibujos) a Augusto y su brillante trayectoria es seguramente un gran lección de vida. Escuchar las anécdotas de dos de sus hijos Augusto y Manuel (arquitecto y Diseñador industrial) es sin duda un privilegio. Le doy gracias a estos dos grandes amigos por haberme guiado a través de los maravillosos dibujos de su padre.

Creo que hay tres libros clave para entender la obra del Arq. Álvarez y que me gustaría compartir con ustedes:

Catálogos de Arquitectura Mexicana, Augusto H. Álvarez y Asociados S.C. con presentación de Antonio Creixell editado por Gustavo Gili en 1996.

Augusto H. Álvarez, Vida y obra de Lourdes Cruz González Franco en la Colección Talleres de la Facultad de Arquitectura de la UNAM.

Augusto H. Álvarez, Discurso, Reflexión, Ensayo, Obras, Curriculum editado por su despacho y familia en 1983 a propósito de la entrega del Premio Nacional de Arquitectura.

Esta muestra es sin lugar a dudas una obligación para todos aquellos que, en palabras de Augustoy como el , “no deben permanecer ajenos a lo que sucede a su alrededor”.

El módulo escencia proyectual del Maestro Álvarez

El proyecto del Edificio para IBM de Mariano Escobedo, uno de los pocos dibujos originales

Mundos enteros en un simple pliego de papel

Un aspecto de la sala

Esmeradas técnicas de representación

Fotografías: Lorenzo Díaz

]]> http://espacio-blanco.com/2010/08/los-dibujos-del-taller-de-augusto-h-alvarez/feed/ 1 http://espacio-blanco.com/2010/08/somos-diseno-2010/ http://espacio-blanco.com/2010/08/somos-diseno-2010/#comments Tue, 17 Aug 2010 22:23:51 +0000 Redacción http://espacio-blanco.com/?p=8656

Somos Diseño 2010 es el Primer Festival de Diseño en Querétaro a celebrarse los días 6 y 7 de noviembre en el centro histórico de nuestra ciudad.

El principal objetivo es que Querétaro sea reconocido como Capital del Diseño donde los diseñadores actuales y futuros se consoliden en un foro abierto como espacio de oportunidad para la generación de redes de negocios. Alentando a emprendedores a la generación de empleos y crear un vinculo con la sociedad local mostrando su importancia mediante productos innovadores con repercusión nacional e internacional.

Este será un evento anual que funcione como plataforma de talentos creativos e innovadores, impulsando el trabajo de artistas y diseñadores en continuo desarrollo en nuestra ciudad, que actualmente es  reconocida como una potencia en diseño y calidad.

Más información: www.queretarofestivaldiseno.com

Los sueños y fantasías del surrealista franco alemán Max Ernst (1891-1976) llegan por primera vez a México en una exposición compuesta por 184 “collages” que el artista creó para su novela “Una semana de bondad”.

“Desde un principio tuvimos muy claro que la obra de Ernst tenía que visitar México, pues es seguramente el país latinoamericano en el que la tradición del surrealismo ha estado siempre más viva”, dijo el responsable de la muestra, Pablo Jiménez Burillo.

En la tradición surrealista de México pueden citarse artistas como Leonora Carrington y Remedios Varo. La obra de Ernst, titulada como su novela, se expone desde hoy hasta el 17 de octubre en el capitalino Museo Nacional de Arte. Hasta hace un par de años sólo había sido vista en Madrid, en 1936.

Tuvieron que pasar casi tres cuartos de siglo para que el ahora propietario de la obra, el coleccionista francés Daniel Filipacchi, permitiera al Museo Albertina de Viena exhibir la obra de Ernst, en 2008.  Posteriormente pudo verse en varios países europeos y Brasil.

“Ernst vivió en carne propia el derrumbe del mundo moderno ante los regímenes totalitarios (…) y con ‘Una semana de bondad’ quiso actuar contra eso, hacer algo que a todos les permitiera salir de una realidad inflexible e indestructible”, explicó Jiménez Burillo, director de la Fundación MAPFRE.

La obra, también conocida como “Los siete elementos capitales”, se compone de cinco tomos de “collages” que representan en siete apartados los días de la semana.

Ernst los ordenó de domingo a sábado en vez de lunes a domingo, “como un acto de rebeldía contra lo establecido”, según el responsable de la muestra.

Cada día está acompañado de un elemento, un color y un personaje. Por ejemplo, el domingo se exhibe con el morado, el barro y el león; el lunes con el verde, el agua y la mujer; y el martes con el rojo, el fuego y el dragón.

Para el experto, el mundo de Ernst avanzaba que no existía “una sola manera de vivir, de sentir y de pensar, sino que más bien día a día existía la posibilidad de construir uno mismo su propio mundo”.

Las piezas, realizadas durante un viaje de tres semanas que Ernst hizo a Italia, están inspiradas en los grabados sobre madera de las novelas populares ilustradas, y en recortes de los diarios de ciencias naturales y catálogos de venta del siglo XIX.

Ernst nació en Brül (Alemania), y se nacionalizó francés durante una de sus visitas al país. Estudió filosofía y psiquiatría en la Universidad de Bonn, para alistarse después en el ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial.

Posteriormente se mudó a París, donde se introdujo en el surrealismo y creó la técnica del “fronttage”, basada en el sombreado a lápiz.

También participó como actor en películas surrealistas; entre otros filmes, actuó en “La edad de oro”, de Luis Buñuel, interpretando el papel de jefe bandido.

Sus obras más importantes son “L’elephant célébres”, “La femme 100 tetes”, “Reve d’une petite fille qui voulut enter au Caramel” y “Une semaine de bonté ou les sept éléments capitaux”.

Reportajes: EFE

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